Video Selection
Requiem - 2023
Ecodition - 2023
Ecodition laisse apparaître le déroulement du spectrogramme sonore d’une autoroute dont la lecture aurale et visuelle est altérée par un texte ajouté en sur-impression et généré avec les outils de retouche du programme Audition.
Le texte ouvre une reflexion sur les limites énérgétiques et écologiques de nos modes de vie, et la quasi-impossibilité de changer nos habitudes à la hauteur des enjeux actuels.
Les mots et phrases sont inscrites dans le corps sonore au sein d’un régime binaire (par amplification ou effacement des données) selon leur signification. Le texte porte ainsi dans sa densité et sa signifiance même l’idée de empreinte carbone (générant plus ou moins de datas).
Le texte ouvre une reflexion sur les limites énérgétiques et écologiques de nos modes de vie, et la quasi-impossibilité de changer nos habitudes à la hauteur des enjeux actuels.
Les mots et phrases sont inscrites dans le corps sonore au sein d’un régime binaire (par amplification ou effacement des données) selon leur signification. Le texte porte ainsi dans sa densité et sa signifiance même l’idée de empreinte carbone (générant plus ou moins de datas).
Spin the World (series) 2023
Applause - 08'03'' - 2022
Djing The Highway
2021 - 06'24''
Chanter la route #1
2021 - 6m55s - avec Billie
Drone Piece (excerpt)
2021
Socialités - series
Performance
03'15'' 2020 (loop)
Les non-dits
16'00'' 2019 (loop)
Musique de rue
06'00'' 2019
Le DJ
04'17'' 2019
Les aurevoirs
03'19'' 2019 (loop)
Festival
19'21'' 2019
- Taking a music festival schedule
- Erasing all the artists names in it
- Reading all the concert announcements like a story teller
- Erasing all the artists names in it
- Reading all the concert announcements like a story teller
Disque d'or
02'38'' 2019
"Aléalinéa"
60'00'' 2018
Médiathèque Valais-Wallis - Martigny
Watch the full movie here: https://vimeo.com/277422882
Eole
01'26'' loop 2018
"Yes We Can't"
05'49'' 2018
Multicam performance (extract)
Putting the brain under fast contradictions
(negative and positive polarities)
and testing the cognitive limits of my process.
(negative and positive polarities)
and testing the cognitive limits of my process.
"All Most"
(projet caché)
«All most » est un projet global regroupant un ensemble de vidéos diffusées sur Youtube.
Pour chaque vidéos, un compte d’utilisateur est créé ainsi qu’un avatar correspondant dont l’artiste dispose selon les sujets.
Chaque personnage correspond à un champ de connaissance pré-établi:
sport - musique - bien-être - sciences humaines - arts...
Il s’agit ici de dresser une typologie de personnages promulguant conseils ou savoirs en jouant sur cette limite de crédibilité souvent étroite autour de ces apprentissages, puisque l’on peut y apprendre aujourd’hui presque tout sur tout, de l’accordage du ukulélé à la meilleure manière de se gratter le dos.
Il ne s’agit donc pas de parodies à proprement parler mais de sujets où la question de la vraisemblance se pose constamment. Les commentaires des internautes feront partie de l’oeuvre en tant qu’ils valident ou rejettent les vidéos en les commentant.
Les vidéos ne mentionne ni le projet artistique ni de l’artiste, garantissant la crédibilité et l’autonomie des personnages créés.
Aucune connections entre ces vidéos ne devrait pouvoir se faire via les algorithmes de Youtube.
Ces êtres sont disséminés dans la jungle tutorielle du web.
Pour chaque vidéos, un compte d’utilisateur est créé ainsi qu’un avatar correspondant dont l’artiste dispose selon les sujets.
Chaque personnage correspond à un champ de connaissance pré-établi:
sport - musique - bien-être - sciences humaines - arts...
Il s’agit ici de dresser une typologie de personnages promulguant conseils ou savoirs en jouant sur cette limite de crédibilité souvent étroite autour de ces apprentissages, puisque l’on peut y apprendre aujourd’hui presque tout sur tout, de l’accordage du ukulélé à la meilleure manière de se gratter le dos.
Il ne s’agit donc pas de parodies à proprement parler mais de sujets où la question de la vraisemblance se pose constamment. Les commentaires des internautes feront partie de l’oeuvre en tant qu’ils valident ou rejettent les vidéos en les commentant.
Les vidéos ne mentionne ni le projet artistique ni de l’artiste, garantissant la crédibilité et l’autonomie des personnages créés.
Aucune connections entre ces vidéos ne devrait pouvoir se faire via les algorithmes de Youtube.
Ces êtres sont disséminés dans la jungle tutorielle du web.
"Framous"
02'23'' 2018 (extract)
"Think Different"
Vidéo-performance - 28'00'' 2017
"Have you ever wondered what language actually is? I don’t mean distinguishing a language to a dialect, or pondering whether to call computer programming a language or not. I mean what is this phenomenon we call language?
In the last few decades, attention has been turned somewhat (not entirely) away from trying to define things in a pretence of objectivity, to instead describe how concepts or phenomena are locally understood, how are they are performed in social contexts. Thus for complex ideas such as language, a plethora of ‘definitions’ are available, stemming from the most abstract conceptualisations to the most socially relevant. This is where one can observe that definitions are not neutral, but may used to achieve argumentative goals.
It is difficult to express a multipoint position convincingly because of the risk of contradiction. Consider how discrediting it is for politicians to make a statement at one point in time, only to contradict themselves a while later – in a few instants, clever videos are shared globally to mock the person. I enjoy them. Yet, contradictions are a part of life; we all do it.
Encapsulating the notion of multipositionality, the work of the Swiss artist Maximilien Urfer invites his public to think about language both as an institutionalised discourse and as an idiolect, or the private use that is made of it, in his current exhibition “Ob-la-di Ob-la-bla" - l’imitation du language.
Over 2000 years ago, Socrates (or rather Plato who pretended to write Socrates’ words) suggested that art be eradicated from the ideal society. The reason was that it could never represent what Socrates considered the true nature of things. Art was judged a pale representation of reality, a dangerous mode of expression leading citizens to a world of false thoughts, where justice was not achievable. Urfer, however, shows that art is not only representative of something essential about language, but does so by presenting the most criticised of all language usages: the political spin.
“Think Different” is the name given to this narrative on the politically oriented. In this video, 5 minutes of which are available on his webpage, Urfer sits on a swivel chair between three cameras pointing at him. A word is chosen from a pre-written list, concepts perennial to the political discourse: security, environment, multiculturalism. Urfer then spins on his chair, randomly choosing which camera he will be facing. Each camera represents a political inclination: left, right or centre. The artist then deliberates on the topic given by the word from the perspective of the camera selected.
Language here performs a multiplicity of roles, all bundled up in a single imitative performance.
At the institutionalised level, the audience is able to observe the artist deliberate from an ideological stance, irrespective of the artist’s own true inclination. The intellectual tiredness felt by the artist is symbolic of the general apathy towards dominant discourses, acting as an opium du peuple. Read Byung-Chul Han’s acclaimed philosophical treaty titled “La Société de la fatigue”, 2010. In broad strokes, Urfer presents at that level an imitation of the usual political discourse. His deliberations are caricatures to some extent, arguments without weight. The performance is a strong reminder of a populist approach to politics.
From the level of the individual expression, the imitation of language lies in the artist’s pretence to converse with an audience. Yet this is not an intimate conversation between the artist and the spectators. Urfer assigns an ideological significance to the camera he speaks to, challenging the audience’s traditional role as viewer/agent in the co-construction of performance’s meaning. The audience is thus muted in the camera’s eye and the argumentative force of the speech is rendered futile. The immediate message is removed. If the language is then not a tool for true communication, the performance, by contrast, is.
The silencing of the audience creates a tension, a gap filled in by the audience’s critical force. The audience’s critical mind is thus awaken by the context in which the language is used. It is indeed the performance, not the language, which brings the viewer to ask themselves about how language vehicles their own thoughts and beliefs.
The title of this piece is also worth exploring critically. Why is it called “thinking different” when the action is about talking, gradually losing the ability to think? The artists pushes himself to the point that thinking is drowned under the pressure of both the randomness of the political perspective to adopt and the head spin he experiences by swivelling in his chair. Urfer may be experiencing some randomness in his piece, but his title is certainly very astute. The viewer will initially accept that thinking is taking place, because the sign says it does. Yet the experience demonstrates the power of language and the experience of tiredness and apathy. It is a realisation that we are not viewing thinking, but we are invited to think differently. The process of reflexivity turns the audience into the piece and the piece into the critical audience.
In my opinion, the true artistry of this piece lies in this brutal reflexivity experienced by the spectator. The realisation that we proudly announce our own adherence to an ideological discourse, while at the same time claiming to be free thinkers gives us an experience of our own intellectual tiredness. Urfer aims to shake us from our deep discourse-induced slumber.
Just like prisoners chained at the bottom of a cave, shackles are removed for the time of the video. Do we become free? No, it is still up to us to climb the treacherous incline which might eventually lead us to a clearer vision of our position in this world. “Thinking different” perhaps offers us a chance to begin this journey.
As Urfer’s work begins with a question, it feels only natural that I extend my own question to him. While language is conceptualised here as simply existent, even through the challenges of miscommunication, how could the trajectories of language be represented in his art? The learning of a language, the evolution of the language through societal changes? The piece denounces the existence of discourses, but isn’t a window in how they appear.
Whatever you may draw from the work of this artist, there are many layers to be explored. The variety of the audience interpretations is ultimately a reflexion of the way we all think differently."
Olivier Elzingre - 2017
In the last few decades, attention has been turned somewhat (not entirely) away from trying to define things in a pretence of objectivity, to instead describe how concepts or phenomena are locally understood, how are they are performed in social contexts. Thus for complex ideas such as language, a plethora of ‘definitions’ are available, stemming from the most abstract conceptualisations to the most socially relevant. This is where one can observe that definitions are not neutral, but may used to achieve argumentative goals.
It is difficult to express a multipoint position convincingly because of the risk of contradiction. Consider how discrediting it is for politicians to make a statement at one point in time, only to contradict themselves a while later – in a few instants, clever videos are shared globally to mock the person. I enjoy them. Yet, contradictions are a part of life; we all do it.
Encapsulating the notion of multipositionality, the work of the Swiss artist Maximilien Urfer invites his public to think about language both as an institutionalised discourse and as an idiolect, or the private use that is made of it, in his current exhibition “Ob-la-di Ob-la-bla" - l’imitation du language.
Over 2000 years ago, Socrates (or rather Plato who pretended to write Socrates’ words) suggested that art be eradicated from the ideal society. The reason was that it could never represent what Socrates considered the true nature of things. Art was judged a pale representation of reality, a dangerous mode of expression leading citizens to a world of false thoughts, where justice was not achievable. Urfer, however, shows that art is not only representative of something essential about language, but does so by presenting the most criticised of all language usages: the political spin.
“Think Different” is the name given to this narrative on the politically oriented. In this video, 5 minutes of which are available on his webpage, Urfer sits on a swivel chair between three cameras pointing at him. A word is chosen from a pre-written list, concepts perennial to the political discourse: security, environment, multiculturalism. Urfer then spins on his chair, randomly choosing which camera he will be facing. Each camera represents a political inclination: left, right or centre. The artist then deliberates on the topic given by the word from the perspective of the camera selected.
Language here performs a multiplicity of roles, all bundled up in a single imitative performance.
At the institutionalised level, the audience is able to observe the artist deliberate from an ideological stance, irrespective of the artist’s own true inclination. The intellectual tiredness felt by the artist is symbolic of the general apathy towards dominant discourses, acting as an opium du peuple. Read Byung-Chul Han’s acclaimed philosophical treaty titled “La Société de la fatigue”, 2010. In broad strokes, Urfer presents at that level an imitation of the usual political discourse. His deliberations are caricatures to some extent, arguments without weight. The performance is a strong reminder of a populist approach to politics.
From the level of the individual expression, the imitation of language lies in the artist’s pretence to converse with an audience. Yet this is not an intimate conversation between the artist and the spectators. Urfer assigns an ideological significance to the camera he speaks to, challenging the audience’s traditional role as viewer/agent in the co-construction of performance’s meaning. The audience is thus muted in the camera’s eye and the argumentative force of the speech is rendered futile. The immediate message is removed. If the language is then not a tool for true communication, the performance, by contrast, is.
The silencing of the audience creates a tension, a gap filled in by the audience’s critical force. The audience’s critical mind is thus awaken by the context in which the language is used. It is indeed the performance, not the language, which brings the viewer to ask themselves about how language vehicles their own thoughts and beliefs.
The title of this piece is also worth exploring critically. Why is it called “thinking different” when the action is about talking, gradually losing the ability to think? The artists pushes himself to the point that thinking is drowned under the pressure of both the randomness of the political perspective to adopt and the head spin he experiences by swivelling in his chair. Urfer may be experiencing some randomness in his piece, but his title is certainly very astute. The viewer will initially accept that thinking is taking place, because the sign says it does. Yet the experience demonstrates the power of language and the experience of tiredness and apathy. It is a realisation that we are not viewing thinking, but we are invited to think differently. The process of reflexivity turns the audience into the piece and the piece into the critical audience.
In my opinion, the true artistry of this piece lies in this brutal reflexivity experienced by the spectator. The realisation that we proudly announce our own adherence to an ideological discourse, while at the same time claiming to be free thinkers gives us an experience of our own intellectual tiredness. Urfer aims to shake us from our deep discourse-induced slumber.
Just like prisoners chained at the bottom of a cave, shackles are removed for the time of the video. Do we become free? No, it is still up to us to climb the treacherous incline which might eventually lead us to a clearer vision of our position in this world. “Thinking different” perhaps offers us a chance to begin this journey.
As Urfer’s work begins with a question, it feels only natural that I extend my own question to him. While language is conceptualised here as simply existent, even through the challenges of miscommunication, how could the trajectories of language be represented in his art? The learning of a language, the evolution of the language through societal changes? The piece denounces the existence of discourses, but isn’t a window in how they appear.
Whatever you may draw from the work of this artist, there are many layers to be explored. The variety of the audience interpretations is ultimately a reflexion of the way we all think differently."
Olivier Elzingre - 2017
"CONJURE"
Video performance 15'16'' 2016
Un rituel de conjuration créé par l’artiste est mis en scène en réponse à l’actualité d’un jour.
Le bulletin d’information de la radio France Inter est diffusé en temps réel.
Le fait que le « batteur » ne soit pas batteur au sens premier du terme et qu’il ne puisse jouer académiquement éloigne la réflexion du champ musical et la ramène aux fonctions primales attribuées à la percussion.
La dimension tribale des percussions rappelle sa fonction rituelle. En cela, il s’agit bien d’un rituel, avec la croyance que cette action puisse changer les choses par une force mystique supposée.
La deuxième fonction mise en scène est cathartique, l’action de battre comme action de cogner, celle-ci démarre à chaque information jugée négative par l’artiste, elle engage une réponse brutale à la violence symbolique des informations. Un combat de boxe avec l’actualité qui résonne comme un combat perdu d’avance.
Le temps de cette action s’inscrit dans la durée d’un bulletin d’information recueilli en temps réel (retransmission live) et le batteur interrompt son jeu aléatoirement, sans savoir sur quelle actualité il tombera ensuite, ni à quel moment.
La fatigue physique engendrée par cette performance évoque allégoriquement un certain rapport à l’actualité qui nous ramène à nos propres limites physiques et à notre incapacité d’agir sur le cours des choses.
Le recouvrement sonore de la batterie évoque de manière assourdissante que rien n’interrompt le flux des actualités. Il ne s’agit pas de couper la radio pour renier les événements rapportés, mais bien de remplacer un son par un autre, faute de mieux.
Le bulletin d’information de la radio France Inter est diffusé en temps réel.
Le fait que le « batteur » ne soit pas batteur au sens premier du terme et qu’il ne puisse jouer académiquement éloigne la réflexion du champ musical et la ramène aux fonctions primales attribuées à la percussion.
La dimension tribale des percussions rappelle sa fonction rituelle. En cela, il s’agit bien d’un rituel, avec la croyance que cette action puisse changer les choses par une force mystique supposée.
La deuxième fonction mise en scène est cathartique, l’action de battre comme action de cogner, celle-ci démarre à chaque information jugée négative par l’artiste, elle engage une réponse brutale à la violence symbolique des informations. Un combat de boxe avec l’actualité qui résonne comme un combat perdu d’avance.
Le temps de cette action s’inscrit dans la durée d’un bulletin d’information recueilli en temps réel (retransmission live) et le batteur interrompt son jeu aléatoirement, sans savoir sur quelle actualité il tombera ensuite, ni à quel moment.
La fatigue physique engendrée par cette performance évoque allégoriquement un certain rapport à l’actualité qui nous ramène à nos propres limites physiques et à notre incapacité d’agir sur le cours des choses.
Le recouvrement sonore de la batterie évoque de manière assourdissante que rien n’interrompt le flux des actualités. Il ne s’agit pas de couper la radio pour renier les événements rapportés, mais bien de remplacer un son par un autre, faute de mieux.
"The Answer My Friend"
03'00'' 2016
"Les vilains mots"
01'27'' 2015
"En filmant ma fille de trois ans entrain de réciter une liste non exhaustive de dictateurs recouvrants les deux derniers siècles (dont certains sont encore en exercice), je voulais d'abord créer un support (le film lui-même) qui puisse me renvoyer à plusieurs questions morales et me permette en tant que père de questionner la relation à mon enfant.
Les « territoires moraux » explorés ici traitent de l'emploi et de la représentation d'un enfant dans un processus artistique, de la contrainte exercée sur lui dans ce cadre. Ceux-ci posent en filigrane la question du pouvoir accordé à l'autorité parentale, puis par mise en abyme, font écho au pouvoir de l'homme d'état sur un peuple tout entier.
Il s'agissait aussi de tester ma propre résistance face à cet exercice en lui imposant moi-même une forme de dictature. En lui dictant derrière la caméra ces noms si lourds de sens et en lui demandant de les répéter, je me suis vite retrouvé dans une position inconfortable, liée aux nombreuses images que ces noms pouvaient faire surgir chez moi, avec pour seul refuge éthique le fait que ces noms ne sont pas étymologiquement sales, ils ne sont pas des « vilains mots », on les dit d'ailleurs propres.
L'enfant détaché de toutes références historiques, ne semble trouver dans cet exercice qu'une occasion en plus pour jouer et réduit ces mots à leur simple attrait phonique. Cette mise en poussière involontaire du sens peut apparaître aussi libératrice qu'inquiétante. La mémoire historique et la transmission est ainsi interrogée. L'étrangeté qui en émane est amplifiée par l'exotisme de certain noms qui une fois débarrassés du sens que l'on y attribue, pourrait facilement appartenir à la culture enfantine (Amin Dada - Tito - Pol Pot – Bokassa).
Les « territoires moraux » explorés ici traitent de l'emploi et de la représentation d'un enfant dans un processus artistique, de la contrainte exercée sur lui dans ce cadre. Ceux-ci posent en filigrane la question du pouvoir accordé à l'autorité parentale, puis par mise en abyme, font écho au pouvoir de l'homme d'état sur un peuple tout entier.
Il s'agissait aussi de tester ma propre résistance face à cet exercice en lui imposant moi-même une forme de dictature. En lui dictant derrière la caméra ces noms si lourds de sens et en lui demandant de les répéter, je me suis vite retrouvé dans une position inconfortable, liée aux nombreuses images que ces noms pouvaient faire surgir chez moi, avec pour seul refuge éthique le fait que ces noms ne sont pas étymologiquement sales, ils ne sont pas des « vilains mots », on les dit d'ailleurs propres.
L'enfant détaché de toutes références historiques, ne semble trouver dans cet exercice qu'une occasion en plus pour jouer et réduit ces mots à leur simple attrait phonique. Cette mise en poussière involontaire du sens peut apparaître aussi libératrice qu'inquiétante. La mémoire historique et la transmission est ainsi interrogée. L'étrangeté qui en émane est amplifiée par l'exotisme de certain noms qui une fois débarrassés du sens que l'on y attribue, pourrait facilement appartenir à la culture enfantine (Amin Dada - Tito - Pol Pot – Bokassa).
"Entre vues"
2014 (extract)
Constitué de sujets de télévision glanés sur le site Internet de la Télévision Suisse romande, cette proposition se focalise sur des oeuvres d'art de tous bords qui partagent le point commun d’avoir été diffusées à la télévision dans le cadre d’interviews, en arrière-plan. Celles-ci sont toutes issues d’un contexte d’exposition privé ou semi privé (bureaux d’avocats, hall de compagnie d’assurance, succursale de banque ou cabinet médical...).
Si leur récupération journalistique les relègue à une fonction purement décorative et à de simples espaces de couleurs, le recadrage opéré sur celles-ci met en évidence le dialogue de l’oeuvre avec les propos de la personne interrogée (dont la représentation se voit ici réduite à une simple épaule) et lui confère un nouveau statut. Il s’agit ici de dresser un inventaire, forcément partiel de ces oeuvres qui trônent dans des centaines d’espaces fonctionnels de la société suisse. Ce travail engage l’artiste dans une démarche entre archéologie et commissariat d’exposition. Une exposition improbable et visible uniquement sur écran.
« Othmar »
06'47'' 2013
Film 8mm – HD
En 1953, Othmar Gillioz fût le premier homme du petit village valaisan de Grône à s’équiper d’une caméra 8mm dans un cadre privé. En filmant inlassablement sa famille au grès des saisons, il a légué un riche patrimoine visuel à sa famille, images témoignant d’un temps révolu. Ce film est destiné à être projeté sur un mur dans une salle obscurcie. Les images sont accompagnées par un morceau de piano aux allures nostalgiques. 60 ans plus tard, son petit-fils propose une mise en abîme dans l’espace même de l’exposition et une relecture de ces images où figurent respectivement sa mère, ses oncles, tantes, et grand-parents. Une manière de construire un pont entre lui et son grand-père, qu'il n'a jamais connu.
"La plus longue chanson improvisée "
34'00 - 2013 - HD
"Extreme Sudden Death"
Antibuzz 1 - 2012 - 01'00''
Premier film de la série "antibuzz" visant à exploiter et détourner les thématiques les plus populaires de la sphère video sur le web. Une occasion unique de décevoir un maximum de personnes. Un projet évolutif qui inclut l'ensemble des réactions d'hostilité et de frustrations provoquées par le film, comme autant de cible touchées.
"Pippa Middleton Sextape"
Antibuzz 2 - 2012 - 0'50''
"Nestou"
27'01'' 2005
"L’artiste erre ainsi dans l’espace urbain, se laissant interpeller par des rencontres pour le moins déroutantes. Nestou (2006) représente une figure marginale qui arrête les voitures et les passants pour leur chanter une chanson ou leur transmettre de la bonne humeur. Alors que ce personnage rapporte quelques anecdotes de son vécu, des réactions de téléspectateurs transmises par sms défilent au bas de l’écran. Cette mise en scène transforme une rencontre singulière en spectacle télévisuel démocratisé. Réalisé avec les moyens du bord, ce décalage entre un impact spectaculaire simulé et un contexte ordinaire offre au spectateur une dernière forme de revanche, celle de la distance critique…" - Geneviève Loup
“La peinture à vif”
DNSEP student work / 27'00'' 2004
Texte original d’introduction autour du film (2004)
Dix ans que Maximilien Urfer peint, dix ans que la majorité de ses peintures stagnent dans l'humidité de sa cave à l'abri des regards, que les personnes, qui constituent son principal entourage, peinent à comprendre, quand bien même elles voudraient bien faire l’effort, les enjeux de ces peintures pas franchement décoratives. Ses fréquentations préféreraient sans doute le voir faire de “belles” peintures qui puissent s'accorder avec leur salon, une jolie peinture bleue avec des canapés et fauteuils bleus pour que la peinture serve au moins à meubler un espace, mais Maximilien semble refuser bien des compromis en matière de peinture. Puis, un jour, pour en finir avec ces amalgames, Maximilien a décidé de prendre le contre-pied, non sans ironie, en s’auto-consacrant un vrai-faux documentaire sur sa vie de peintre, jouant et déjouant les codes propres à la promotion artistique contemporaine. Pour ce faire, il a décidé de réaliser un film constitué d’images esthétisantes sur le métier de peintre; le grand atelier, la pallette, pigments et peinture sortant des tube, le désarroi d'un artiste habillé en noir devant une grande toile. Autant de clichés et de folklore qu'il a lui-même beaucoup de peine à assumer lorsqu’il prend un pinceau et qui pourtant, une fois transposé à l'écran font de lui un peintre à part entière. Le postulat suivant est ainsi posé: est-ce le film qui fait le peintre ou sa peinture? Face à un tel produit médiatico-culturel (le film d’artiste), peut-on encore dissocier l’objet (peinture) et le sujet (le peintre) de leur représentations.
Le projet de Maximilien pose plus de questions qu’il n’offre de réponses, parcequ'il fait la critique d'un système de promotion dont l'auteur se fait lui-même la victime. En présentant ce film à son jury de diplôme, il tend implicitement un piège aux jurés, ne sachant eux-même plus sur quel objet émettre un jugement. L'auteur pseudonymique de ce film, François de Châtillard serait donc un jeune historien d'art passioné de peinture, qui, de passage à la galerie Anna Schwab de Zürich, se serait emballé à la vue de l'oeuvre Urferienne et aurait proposé au peintre de le suivre dans son processus créatif. Fiction. Maximilien se moque de nous et se moque de lui. La galerie Anna Schwab n'existe pas. Il se dit (dans le film même) réticent à l'idée de participer à ce projet, un projet qu'il a lui-même monter de toute pièce. Dans l’imaginaire collectif régional, l’artiste peintre est souvent un honnête homme, un peu bourru et intégre, sans cesse à la recherche de son “moi” profond. S’il est seul et incompris, c’est encore mieux. Maximilien joue t'il la COMEDIE? Il répondra que non, en tout cas pas plus que tous les autres. Parce qu'il croit de plus en plus difficile d'aborder la peinture simplement, Maximilien a fait appel à un autre médium pour en parler. Il se décourage lui-même de sa peinture dont il pense qu'elle ne communique rien d'autre qu'elle-même, c'est à l’évidence sa plus grande faiblesse et sa plus grande force. Il la filme parce qu'il pense qu'il est moins ennuyeux et plus facile pour son entourage de regarder sa peinture en film qu'en peinture. En réalisant ce film, Maximilien s'est construit une prison vidéo dans laquelle il évolue, devenant son propre personnage, un piège de représentation où il s'est engagé physiquement afin de trouver des réponses sur la pratique picturale. Mais ne demeure ici qu'une image, qu’un leurre. Ce film lui aura permis de se créer un recul supplémentaire sur son travail de peintre.
Dix ans que Maximilien Urfer peint, dix ans que la majorité de ses peintures stagnent dans l'humidité de sa cave à l'abri des regards, que les personnes, qui constituent son principal entourage, peinent à comprendre, quand bien même elles voudraient bien faire l’effort, les enjeux de ces peintures pas franchement décoratives. Ses fréquentations préféreraient sans doute le voir faire de “belles” peintures qui puissent s'accorder avec leur salon, une jolie peinture bleue avec des canapés et fauteuils bleus pour que la peinture serve au moins à meubler un espace, mais Maximilien semble refuser bien des compromis en matière de peinture. Puis, un jour, pour en finir avec ces amalgames, Maximilien a décidé de prendre le contre-pied, non sans ironie, en s’auto-consacrant un vrai-faux documentaire sur sa vie de peintre, jouant et déjouant les codes propres à la promotion artistique contemporaine. Pour ce faire, il a décidé de réaliser un film constitué d’images esthétisantes sur le métier de peintre; le grand atelier, la pallette, pigments et peinture sortant des tube, le désarroi d'un artiste habillé en noir devant une grande toile. Autant de clichés et de folklore qu'il a lui-même beaucoup de peine à assumer lorsqu’il prend un pinceau et qui pourtant, une fois transposé à l'écran font de lui un peintre à part entière. Le postulat suivant est ainsi posé: est-ce le film qui fait le peintre ou sa peinture? Face à un tel produit médiatico-culturel (le film d’artiste), peut-on encore dissocier l’objet (peinture) et le sujet (le peintre) de leur représentations.
Le projet de Maximilien pose plus de questions qu’il n’offre de réponses, parcequ'il fait la critique d'un système de promotion dont l'auteur se fait lui-même la victime. En présentant ce film à son jury de diplôme, il tend implicitement un piège aux jurés, ne sachant eux-même plus sur quel objet émettre un jugement. L'auteur pseudonymique de ce film, François de Châtillard serait donc un jeune historien d'art passioné de peinture, qui, de passage à la galerie Anna Schwab de Zürich, se serait emballé à la vue de l'oeuvre Urferienne et aurait proposé au peintre de le suivre dans son processus créatif. Fiction. Maximilien se moque de nous et se moque de lui. La galerie Anna Schwab n'existe pas. Il se dit (dans le film même) réticent à l'idée de participer à ce projet, un projet qu'il a lui-même monter de toute pièce. Dans l’imaginaire collectif régional, l’artiste peintre est souvent un honnête homme, un peu bourru et intégre, sans cesse à la recherche de son “moi” profond. S’il est seul et incompris, c’est encore mieux. Maximilien joue t'il la COMEDIE? Il répondra que non, en tout cas pas plus que tous les autres. Parce qu'il croit de plus en plus difficile d'aborder la peinture simplement, Maximilien a fait appel à un autre médium pour en parler. Il se décourage lui-même de sa peinture dont il pense qu'elle ne communique rien d'autre qu'elle-même, c'est à l’évidence sa plus grande faiblesse et sa plus grande force. Il la filme parce qu'il pense qu'il est moins ennuyeux et plus facile pour son entourage de regarder sa peinture en film qu'en peinture. En réalisant ce film, Maximilien s'est construit une prison vidéo dans laquelle il évolue, devenant son propre personnage, un piège de représentation où il s'est engagé physiquement afin de trouver des réponses sur la pratique picturale. Mais ne demeure ici qu'une image, qu’un leurre. Ce film lui aura permis de se créer un recul supplémentaire sur son travail de peintre.